Es una animalada de canciones!

Afirmar que fueron los The Police argentinos ya suena trillado, más si desde este pequeño espacio opinamos que la influencia de Cerati fue superior que la de Sting para su grupo. Para no quedarnos en trivialidades digamos que transcurría el año 1990 y Soda Stereo editaba Canción Animal, uno de los discos más importantes del conjunto y con temas consagratorios. El álbum presenta un repertorio variado que incluye: “(En) El Séptimo Día”, “Un Millón de Años Luz”, “Canción Animal”, “1990”, “Sueles Dejarme Solo”, “De Música Ligera”, “Hombre al Agua”, “Cae el Sol”, “Té Para Tres”,  y “Entre Caníbales”. Es el quinto trabajo de estudio del trío y dentro de toda la discografía se sumerge en un rock alternativo bien marcado en la mayoría de sus temas. La portada del disco muestra dos leones copulando, cuestión no menor para algunos de los países que disfrutaban de su música pero no de su arte de tapa, por lo que fue sustituida por una versión más “puritana” con la fotografía de la banda y el nombre del álbum.

Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti venían de compartir un concierto en enero de 1990 con el dúo británico Tears for Fears en Velez Sarsfield. A mediados de ese mismo año graban en Miami Canción Animal y en octubre preparan las presentaciones por todo el suelo argento. La “Gira Animal” incluye treinta ciudades de todo el país y finalizan un excelente año presentando el material en Velez ante más de 40 mil almas. Para el año siguiente continúan realizando conciertos por Punta del Este, Venezuela, México, Estado Unidos y vuelven al país para realizar catorce funciones a sala llena en el Gran Rex.  Luego retoman la gira por Colombia y Venezuela para finalmente regresar a Buenos Aires y brindar un recital gratuito multitudinario. La municipalidad había organizado el ciclo “Mi Buenos Aires Querido II” donde tocaron al aire libre artistas del prestigio de Luciano Pavarotti, pero lo de Soda fue superior en convocatoria.  El 14 de diciembre de 1991 en la Avenida 9 de Julio y Estados Unidos, Soda Stereo deslumbra a 250 mil personas con su música. Significó el broche de oro para la presentación de Canción Animal. Gustavo Cerati en referencia al concierto histórico decía: "Es muy difícil encontrar objetivos claros después de semejante recepción. Estar parado ante tanta gente que corea tu nombre es una experiencia muy fuerte. Ahora hay que empezar de nuevo desde abajo". Sin dudas Canción Animal representó uno de los trabajos más fructíferos de la banda, por ello a continuación tenemos material con la mayoría de los títulos del disco. Soda Stereo según pasan los años…

1990. El tema que da título al disco “Canción Animal” interpretado el  22 de diciembre en un estadio de Velez colmado…

1991. Como parte de la promoción del álbum graban el videoclip del tema “Cae el Sol”.

1991. Soda Stereo hace historia en la Av. 9 de Julio, el 14 de diciembre brindan un recital gratuito y al aire libre, “De Música Ligera” (lejos de aquel “Gracias totales”) sonaba así…

1996. La presentación en MTV, con el famoso unplugged que no fue tal ya que sólo cuatro de los temas que tocaron fueron “desenchufados”, a continuación “Entre Caníbales” en una versión única…

1997. El final estaba cerca, la despedida fue en River el 22 de septiembre, de aquella noche destacamos “(En) El Séptimo Día”  y “Hombre al Agua”.

2007. La exitosa  gira “Me Verás Volver” de la que fuimos testigos presenciales y dos temazos, “Sueles Dejarme Solo” y “Un Millón De Años Luz”. 

2009. Aunque el recital fue de Luis Alberto Spinetta y lo toca con Cerati únicamente, tiene un valor musical de colección. Velez nuevamente y el show con las Bandas Eternas, “Té Para Tres” de Canción Animal y nos despedimos a lo grande…

El rock como un impulso natural poético

Pescado Rabioso una de las “Bandas eternas” del “Flaco” se disolvió como tal a mediados de 1973. El motivo principal que concluyó con la separación fue la incongruencia musical entre Spinetta y los integrantes del grupo. Sus compañeros cuentan que empezaron a ver a su vocalista con libros de Artaud abajo del brazo, proponía sonidos y letras que no llegaban a entender, entonces Luis Alberto quedó solo. A pesar de ello siguió con los proyectos que venía elaborando para su banda y nació un álbum considerado lo máximo del rock argentino y uno de los mejores de Latinoamérica. Artaud forma parte de la discografía de Pescado Rabioso pero es un material solista de Spinetta, lo grabó con algunos invitados de su entorno, entre los cuales figura su hermano Gustavo como baterista y los ex Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. El álbum tiene relación directa con el contexto histórico-político que se vivía en Sudamérica. Comenzaban las dictaduras militares, el nefasto Plan Cóndor pergeñado y apoyado por Estado Unidos, para luego desembocar  en dos décadas donde los derechos humanos serían violados cruelmente. Antes que saliera el disco Luis Alberto Spinetta explicó porque el título de Artaud y lo que significó en ese momento tan particular de la historia. Antonin Artaud es un poeta francés que nació en 1896 y murió en 1948. Para el “Flaco” fue un revolucionario, por eso lo utilizó para su longplay. Su admiración se centra en la intensidad de su obra que se adelantó a su tiempo y una vida que estuvo marcada por el sufrimiento. Así Spinetta fue conociendo su obra y la vida de Artaud definiéndolo como una personalidad enfermiza. A los cinco años de edad descubren que el poeta francés es meningítico, luego en la adolescencia es confinado a un asilo de alienados en un estado de delirio, pero a conciencia escribe sus obras más lúcidas. Sobre la literatura de Artaud, Luis Alberto dijo: “Artaud es uno de los primeros poetas que he leído que percibe esa especie de hechizo de masa donde el empleado tiene que someterse al hechizo del patrón para subir de puesto, y donde el patrón se tiene que amoldar al hechizo del súper ejecutivo de la empresa vecina para conquistar un puesto más alto. Por lo tanto su visión no solamente tiene valor en su momento, sino que ahora tiene un valor impresionante. Me siento identificado con la personalidad luchadora de Artaud”.

“¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte; el verde, para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia?"

Antonin Artaud. Carta a Jean Paulhan, Paris 1937.

En cuanto a la repercusión que podía tener el material, en 1973, esperaba que no lo tomen como un disco extranjerizante por llamarse Artaud, y que escuchen los temas ya que podrán vislumbrar la realidad social de aquel entonces. De los nueve temas que se grabaron, cinco los interpretó solo, a saber: “Todas las hojas son del viento”, “Por”, “La sed verdadera”, “Cantata de puentes amarillos” y “A Starosta, el idiota”. En “Cementerio Club” y “Bajan” participaron Gustavo Spinetta en batería y  Emilio del Guercio en bajo. En los títulos “Superchería” y “Las habladurías del mundo” grabaron junto a Spinetta sus compañeros de Almendra, Rodolfo García en batería y del Guercio en bajo.

A continuación el tema “Bajan” presente en Artaud, en esta ocasión interpretado por una dupla extraordinaria Cerati-Spinetta en el recital del 4 de diciembre de 2009 en el estadio de Velez. El show denominado “Spinetta y las bandas eternas” duró cinco horas y media y conmemoró los 40 años del “Flaco” en el rock nacional.

Uno de los temas emblema de Artaud es “Todas las hojas son del viento”, donde Spinetta retrata la preocupación por cierta fragilidad simbolizada por un niño, que desdichadamente se prepara para nuevos martirios. El gran “Flaco” afirmó que “el tema describe esta necesaria lucha por cambiar la vida y transformar la sociedad. Las palabras están cargadas con una energía que es la que provoca la violencia en la mente, buena violencia en la mente, es la que da a su vez una especie de aparejo de la realidad. Por supuesto, esta letra yo la asumo como una letra real, a pesar de que hay una metáfora que dice que todas las hojas son del viento, ya que él las mueve hasta su muerte, pero eso también me parece real”. Luego de semejantes palabras iluminadas escuchen la música de uno de los padres del rock argentino, que dejó tanta sabiduría como bandas y melodías eternas…

“El rock es el impulso natural de dilucidar a través de una liberación total los conocimientos profundos a los cuales, dada la represión, el hombre cualquiera no tiene acceso”   

Luis Alberto Spinetta.

Mensaje, imaginación, psicodelia y sonido ecléctico

En el mundo de las bandas de rock es muy común que por distintos motivos se cambie el nombre del grupo original. En este caso tenemos que decir que hasta tener su denominación más popular pasó por sucesivas mutaciones. En 1964 nacía la banda denominada Sigma 6, para luego transformarse en T-Set, Megadeathts, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs, The Abdabs y Tea Set. Una gran ciclotimia en materia nominal. Los integrantes en aquel entonces eran Bob Klose en guitarra, Nick Mason en batería, el bajista Roger Waters, el teclista Rick Wright y la reciente incorporación del guitarrista y vocalista Syd Barrett. Al año siguiente, Bob Klose dejaría la banda por presiones de sus padres. Mientras Syd Barret se convertía en el líder de la banda, durante un concierto realizado en las afueras de Londres, Tea Set actúo en un escenario menor. Allí coincidieron con un grupo homónimo. Ante este nuevo percance y por iniciativa de su vocalista pasaron a llamarse The Pink Floyd Sound. La nueva nomenclatura provenía de la admiración de Barret por los músicos bluseros, Pink Anderson y Floyd Council. Recién en 1968 y con la salida de Syd Barret, por su desequilibrio mental producto de la ingesta excesiva de LSD, llegamos a Pink Floyd. En lugar de Barret convocaron a su amigo David Gilmour, que en un comienzo intentó ayudarlo a dejar las adicciones sin éxito alguno. De esta manera el cuarteto quedaba consolidado con Waters, Gilmour, Wrigth y Manson, comenzaba la leyenda.

Antes de llegar al disco que hablaremos con mayor dedicación, debemos mencionar a sus antecesores y psicodélicos trabajos: The Piper at the Gates of Dawn (1967), con la presencia de su primer vocalista Syd Barret, A saucerful of Secrets (1968), cuyo sonido consta de ruidos, efectos y percusiones intensas y delirantes, Music from the Film More (1969), fueron banda sonora de la película More con gran cantidad de canciones acústicas, Ummagumma (1969), donde el  título significa “relación sexual” en la jerga de Manchester, Atom Heart Mother (1970),con este trabajo consiguieron su primera gira por los EE.UU, Meddle (1971), contiene el tema “Echoes” de 23 minutos de duración y definida por Waters como un “poema sónico” y finalmente, el séptimo trabajo, Obscured by Clouds (1972), conformó la banda sonora de la película El Valle.

El primer video grabado en directo de un concierto de Pink Floyd fue desarrollado luego que saliera The Dark Side of the Moon. Se realizó en el anfiteatro de Pompeya, una de las ciudades más arcaicas de Roma, destruídas por el volcán Vesubio hace más de dos mil años. Entre las perlas de este material grabado sin público, sólo con un equipo de técnicos, destacamos el tema “Echoes”.

Luego de tantas e inclasificables discografías (por lo original y demencial en algunos casos), llegaría su obra más importante, la que identificaría fielmente la ideología de Pink Floyd. En 1973 con Gilmour como principal vocalista lanzan The Dark Side of the Moon. La composición estuvo a cargo mayormente por Waters. En un comienzo tenían la idea de llamar al disco Eclipse pero lo desestimaron. El nuevo material contiene una gran presencia de jazz, con el saxo y coros femeninos como principales figuras. Las letras y el sonido del álbum describen las presiones que sufre el ser humano a lo largo de su existencia. Su portada representa en un prisma el fenómeno de la dispersión de la luz. 

El portero del estudio Abbey Road cuando los integrantes de la banda llegaron a grabar el trabajo, les dijo: “este no es el lado oscuro de la luna, en realidad todo es oscuro en ella”. Dicha frase suena al final de la discografía. El disco consta de temas legendarios como: "Breathe", "The Great Gig in the Sky", "Money", "Brain Damage", "Eclipse". 

A continuación el tema "Time" del álbum en cuestión y el sensacional  show efectuado en el Earls Court en Londres en 1994, ya sin Waters como miembro de la banda.

Roger Waters sobre el significado del tema: "Pasé una gran parte de mi vida, hasta los 28 años, esperando que mi vida comenzara. Pensé que en cierto punto, me convertiría de un capullo en una mariposa, que mi verdadera vida podría empezar. Si tuviera que vivir de nuevo esa etapa de mi vida, preferiría vivir el lapso entre los 18 y 28 años sabiendo que sería así, que nada ocurriría repentinamente, que el tiempo pasa, que eres lo que eres, y que haces lo que haces"

La fantasía es rock representada en impetuosidad operística

Si mencionamos “Rapsodia Bohemia” automáticamente sabemos que estamos referenciando a Queen, o serán sinónimos? Si bien la banda británica suma numerosos éxitos a lo largo de su carrera, el tema significó un punto de inflexión para Mercury y compañía. La canción fue escrita en 1975 por Freddie. Según contó el manager de aquella época (John Reid, también representante de Elthon Jonh), un día visitó al cantante en su casa en Holland Road en el distrito londinense de Kensington. Allí se enteró que Freddie componía por las noches, tenía en la cabecera de su cama una especie de piano y cuando se sentía inspirado tocaba de espaldas y acostado. Así fue como compuso esta obra que duraba seis minutos y estaba conformada por seis secciones. "Rapsodia Bohemia" no posee estribillo y consta de una introducción, una balada, un solo de guitarra, una ópera, una sección de rock y una coda o final.

Brian May  dijo que Freddie le había comentado de una idea extraña que se le había ocurrido. Si bien todos los títulos  se escribían en el estudio, el guitarrista afirmó que: “Rapsodia fue una excepción, estaba todo en la cabeza de Freddie antes de que empezásemos a grabar”.

Durante el verano de 1975, Queen grabó  el álbum más caro de la historia hasta ese entonces A Night at the Opera. Viajaron hasta la ciudad galesa de Monmouthde a los estudios Rockfield, donde trabajaron durante dos semanas. Luego volvieron a Londres para finalizar la grabación del disco que los llevaría al estrellato. Al finalizar el trabajo debían decidir un single para promocionarlo. Su manager y los productores le recomendaron varios temas (descartando excentricidades operísticas), sin embargo la banda tomaría el riesgo de escoger a “Bohemian Rhapsody” para la difusión del álbum. En un comienzo las emisoras de radio se negaban a poner un tema tan extenso. El propio Elthon Jonh le dijo a su manager que “estaba loco” después de escuchar la rareza creada por Queen. Sin embargo y contra todos los pronósticos negativos el single fue un éxito y catapultó a Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon a la fama mundial. "Rapsodia Bohemia" vendió dos millones de copias sólo en el Reino Unido y se mantuvo como número uno hasta finales de enero de 1976. Allí fue destronado irónicamente por Abba y el tema “Mamma Mia”, una simple coincidencia según la banda sueca.

Comenzaba la gira, como era imposible interpretar la parte de ópera del tema, decidieron grabar un video. En aquel entonces no existían los videoclips, se los denominaba pop promos. “Bohemian Rhapsody” se emitió por primera vez durante el programa de la BBC, “Top of the Pops” en noviembre de 1975 y significó un hito en la historia de la música.

La canción rompía con todos los moldes establecidos. No sólo por su estructura melódica, también por su letra. Hasta expertos en Literatura de la Universidad de Oxford han intentado descifrar el sentido de la misma y han concluido que la complejidad de la personalidad de Freddie no les permite saber con exactitud el significado de la canción. Hay muchos rumores sobre la interpretación, desde la sexualidad del cantante, su personalidad, su madre pero sólo la genialidad de Mercury tendría la respuesta certera. El baterista, Roger Taylor, dijo que el tema no es tan enigmático y describe más de lo que muchos imaginan.

En 1991 tras la muerte de Freddie Mercury se lanzó nuevamente el sencillo y llegó al numero uno luego de 16 años de haberse publicado por primera vez. Vendió miles de copias en todo el mundo, tanto como en el primer lanzamiento.

Hasta Hollywood (1992) se encargó de seguir  inmortalizando la canción con el film “Wayne's World”, con la clásica escena dentro del auto. Según Brian May cuando iban de gira en la furgoneta y comenzaba la parte rockera, meneaban la cabeza tal cual se ve en la película. Recientemente, durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, el tema fue incluido dentro de las grandes canciones del rock británico.

A continuación un fragmento del DVD Live Hammersmith Odeon London del concierto realizado en la nochebuena de 1975, luego de aquel glorioso año para Queen.  Incluye un versión única de “Bohemian Rhapsody” concatenada con “Killer Queen” y “The March Of The Black Queen”.

Para finalizar las palabras de Freddie sobre su fabulosa creación:

“Bohemian Rhapsody siempre vuelve pero para mi esos días ya pasaron, terminó esa época y ese estilo de música y no quiero pensar en ello ni escribir sobre ello. Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería sólo escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice...”

1 INTRODUCCIÓN

¿Es esto la vida real?

¿Es sólo fantasía?

Atrapado en un derrumbamiento

No hay escape de la realidad

Abre tus ojos

Mira los cielos y ve

Soy solo un pobre chico, no necesito compasión

Porque fácilmente vengo, fácilmente me voy

Un poco arriba, un poco abajo

Realmente no me importa en qué dirección sople el viento

No me importa

2 BALADA

Mamá, acabo de matar a un hombre

Puse un arma contra su cabeza

Presioné el  gatillo, ahora él está muerto

Mamá, la vida ha comenzado

Ahora  tengo que irme y dejarlo todo

Mamá, oooh!

No quise hacerte llorar

Si mañana no estoy de vuelta otra vez

Sigue, sigue, como si no importara nada

Demasiado tarde, mi hora ha llegado

Escalofríos atraviesan mi espina dorsal

Mi cuerpo me duele en todo momento

Adiós a todos - Me tengo que ir

Tengo que dejarlos a todos y enfrentar la verdad

Mamá, oooh!  (de cualquier forma que sople el viento)

No quiero morir

A veces desearía no haber nacido nunca

3 SOLO DE GUITARRA

4 ÓPERA

Veo la pequeña silueta de un hombre

Scaramouche, Scaramouche, harás el Fandango

Rayos y truenos, asustándome mucho

Galileo, Galileo

Galileo, Galileo

Galileo Fígaro - Magnífico

Pero  sólo soy un pobre muchacho y nadie me ama

Él es solo un pobre muchacho de una pobre familia

Perdónale su vida en ésta monstruosidad

Fácilmente viene, fácilmente va - ¿me dejarás ir?

Bismillah! No - no te dejaremos ir - dejarlo ir

Bismillah! No te dejaremos ir - dejarlo ir

Bismillah! No - no te dejaremos ir - déjame ir

No te dejaremos ir - déjame ir (nunca)

No te dejaremos ir  - déjame ir

No te dejaremos  ir

No, no, no, no, no, no, no

Oh ,mama mía! mama mía! mama mía, déjame ir!

Belcebú tiene un diablo reservado para mí

Para mÍ

Para mÍ

5 ROCK

Así que crees que puedes apedrearme y escupirme en el ojo

Así que crees que puedes amarme y dejarme para morir

Oh, nena! no puedes hacerme esto, nena!

Simplemente tengo que salir – solo tengo que salir de aquí

6 CODA

Ooh si, ooh si!

Nada realmente importa

Cualquiera puede verlo

Nada importa realmente. Nada me importa en realidad

De cualquier manera que sople el viento…

Charly solista y acompañado por las ansias de libertad

Una característica de los grandes talentos argentinos es la crítica constante por parte de algunos sectores de la sociedad por su accionar en la vida privada. Ni hablar si ese talento tienen nombre y apellido: Charly García. Más allá de lo polémico del personaje, es innegable su derroche de creatividad y lo que representa para  el rock argentino. Para tener real dimensión que mejor que tomar como ejemplo el recital que brindó en el estadio de Ferro en 1982.

Presentación del programa "Los especiales del 9" de 1983. La gente llegando eufórica al estadio de Ferrocarril Oeste.

Charly ese año realizó sus primeros trabajos como solista luego de la exitosa etapa con Serú Girán. Presentó un notable álbum doble, el primer disco era instrumental  y fue la banda de sonido de la película Pubis Angelical, de Raúl de la Torre. El otro disco era Yendo de la cama al living y representaba el encierro de un tipo que no salía de su apartamento y que escuchando y viendo la guerra por radio y televisión pedía que no bombardeen Buenos Aires. La banda que acompañó a Charly en este disco estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y un muy joven Andrés Calamaro en teclados. Del segundo disco como solista se destacan títulos como "No Bombardeen Buenos Aires", "Yo No Quiero Volverme Tan Loco", "Inconsciente Colectivo" y el distinguido  "Peluca Telefónica" compuesto por unos fulanos: Charly García, Luis Alberto Spinetta y Pedro Aznar.

Si bien estaban presentando el material con algunos shows, el concierto realizado en Ferro fue emblemático. Argentina venía de sufrir la Guerra de Malvinas, la sociedad pedía a gritos el fin de la dictadura más despiadada y el gobierno de facto transitorio de Bignone (HDP) preparaba las elecciones democráticas. En esa atmósfera pesadísima se encerraba la presentación de Charly.

El recital se realizó el 26 de diciembre ante 25.000 personas. Como teloneros tocaron Los Abuelos de la Nada y Suéter, Charly los había invitado porque consideraba que ambos grupos  encajaban perfectamente con el nuevo material editado. La gente estaba enloquecida por todo lo que representaba aquella noche, la temperatura era de 38°C y los momentos emotivos se sucedían con cada tema interpretado con la magia de García como cómplice. Tuvo muchos invitados que lo acompañaron en el show, todo Ferro estalló cuando subió Mercedes Sosa. En ese momento Charly gritó: “no queremos milícos, ni represión”.

Pedro Aznar ni bien se enteró de la presentación le confirmó a Charly que contará con él. El día anterior ensayaron en la casa del cantante y decidieron que temas tocarían. Por su parte Nito Mestre canceló un concierto propio para poder estar junto a su par. El gran Luis Alberto Spinetta estaba entre el público pero no pudo llegar al escenario para interpretar alguna canción.

Al año siguiente el recital fue emitido en el programa de Badía en canal 9, el cual sufrió recortes en los temas :  "Viernes 3 AM", "Los Dinosaurios" y "Cuando ya me empiece a quedar solo" con la participación de Mercedes Sosa. Para disimular los “retoques” del recital por censura, se invitó al propio Charly y su productor Daniel Grinbank  para entrevistarlos. En la entrevista Charly dijo que “en el aspecto técnico hubo muchas cosas que me distrajeron, que no salieron como esperaba. Pero sin dudas fue el mejor recital de mi vida en el sentido de la expectativa que tenía la gente y la multitud que había”. Para finalizar como cereza del postre el tema "Inconsciente Colectivo" de esa noche inolvidable. Recalco el valor de las palabras finales de Charly para ese momento: “Buenas noches, duerman tranquilos”.

Listado de temas del concierto en Ferro:

01 Pubis angelical

02 Canción de 2x3

03 No llores por mi, Argentina

04 Yendo de la cama al living

05 Viernes 3 AM

06 Antes de gira

07 Vos tambien estabas verde

08 Marilyn, la cenicienta y las mujeres

09 Quizás porque

10 No te dejes desanimar CON PEDRO AZNAR

11 Desarma y Sangra CON PEDRO AZNAR

12 Cinema verité CON PEDRO AZNAR

13 Inconsciente colectivo CON MERCEDES SOSA

14 Cuando ya me empiece a quedar solo CON MERCEDES SOSA

15 Los dinosaurios

17 Hipercandombe

18 Yo no quiero volverme tan loco

19 Superhéroes CON NITO MESTRE

20 No bombardeen Buenos Aires

21 Peluca telefónica CON PEDRO AZNAR

22 Bienvenidos al tren CON NITO MESTRE

23 Inconsciente colectivo