viernes, 28 de diciembre de 2012

Anuario 2012 Fantasías del rock II



En este anuario revisando las historias que desarrollamos jueves a jueves habíamos llegado hasta octubre. Por aquellos días describimos a un groso del rock and blues nacional. Pappo y toda su magia como representante de los albores de nuestro querido rock argento formando parte de bandas como Los Gatos, Manal, Riff, Los Abuelos de la Nada y muchas otras agrupaciones. Su amistad con B.B.King y finalmente su último trabajo publicado en 2003: Buscando Un Amor.


Otra banda que tuvo su espacio en el blog fue Los Abuelos de la Nada. En este caso su segunda etapa con el regreso de Miguel Abuelo al país y un joven Andrés Calamaro siendo fundamental para el éxito de la agrupación en los principios de los 80. Nos interesó narrar la grabación del disco en vivo durante su presentación en el Teatro Ópera, de colección!


Los Rolling Stones estuvieron presentes nuevamente con otro relato. En esta ocasión la reseña de su gira denominada Licks Tour entre 2002-2003. El motivo, los 40 años de sus majestades y su viaje alrededor del mundo complicado por el brote epidémico del SARS. Sin embargo ni siquiera una epidemia de esa magnitud pudo lograr frenar el rock stones.


Una figura del rock nacional que está pasando un momento muy difícil pero esperemos que mejore su estado de salud y si es posible nos vuelva a maravillar con su talento inigualable. Hicimos un repaso de toda la trayectoria como  solista de Gustavo Cerati luego de su paso como líder de Soda Stereo. Bocanada, Siempre es Hoy, Ahí Vamos y Fuerza Natural fueron sus discos con temas que demuestran toda su genialidad. Una vez más decimos: Fuerza Gustavo!


Noviembre comenzaba y traía consigo al grupo estadounidense más argento. The Ramones: una historia particular de la banda que inventó el punk. La poca repercusión en EE.UU hizo que tuvieran que buscar otros públicos para conquistar, luego de un breve paso por Europa, llegaron a Sudamérica y en Argentina encontraron el amor incondicional.


Continuamos por este viaje fantasioso para encontrarnos con otro relato de una formación británica. Oasis y los primeros pasos para consolidarlos como una de las mejores bandas de los 90. Nos enfocamos en el segundo material de los hermanos Gallagher, (What's the Story) Morning Glory? que los catapultó a la fama mundial y llegó a catalogarlos como los herederos de The Beatles.


Más rock nacional y la leyenda de Luca Prodan. Definimos a Sumo como un cúmulo de talento representado en cada integrante del grupo y además todo el mito alrededor del gran Luca. Describimos el disco Llegando los Monos con canciones que quedaron para la posteridad dentro de la discografía de Sumo.


La siguiente banda fue la única que nos llevó tres relatos consecutivos ya que intentamos recorrer toda su trayectoria y el fenómeno de masas que significó Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. La primera entrega redonda implicó la formación de la banda oriunda de La Plata, su etapa under, el hippismo, los movimientos artísticos que acompañaban sus presentaciones y el caldo de cultivo representado por los primeros seguidores de Los Redondos. Con esta aproximación al mundo del Indio y Skay llegábamos hasta los primeros discos: Gulp! y un ícono ricotero: Oktubre.


Seguimos presentando a Patricio Rey para delinear lo que sería su llegada a la escena principal del rock nacional. En esta segunda entrega redonda detallamos la discografía y sus mensajes contra el sistema en todos sus aspectos. Los Redondos se transformaron en el grupo más convocante de la historia del rock nacional pero sin perder su ideología independiente que mantuvieron durante toda su rica historia. Nacía: “el pogo más grande del mundo”.


Finalmente concretamos la trilogía redonda con la última etapa del grupo. Relatamos la situación de los continuos hechos de violencia que enmarcaban cada show masivo de Los Redondos. Este detalle no menor sumado a inconvenientes internos entre sus principales referentes desembocó en la separación de la banda. Antes dejaron un último legado con tres trabajos experimentales: Luzbelito, Último bondi a Finisterre y Momo Sampler. Más allá de un final desprolijo es innegable que tuvieron un estilo único y  marcaron una época del rock del país!


Para el anteúltimo post del año regresamos a los 70. La historia de un disco que no tuvo nombre por el enojo de los integrantes de una de las bandas más grandes del rock mundial. Era 1971 cuando Led Zeppelin publicó el álbum más importante de su trayectoria. Habían recibido fuertes críticas en su material anterior por lo cual decidieron lanzar su siguiente disco sin título y sin el nombre de la banda. El vinilo sólo contenía en su interior cuatro extraños símbolos que identificaban a cada integrante de Led Zeppelin. El álbum se transformó en el cuarto disco más vendido de la historia.


El último relato trató sobre un grupo que tuvo un corto pero fructífero paso con temas que son hits del rock nacional. Los Caballeros de la Quema convivieron con la década del 90 y al ser representantes del rock barrial bajaron línea con un mensaje crítico y acompañado de un rock potente. El disco Fulanos de Nadie fue el último antes de la disolución y dejó varios temas que generan melancolía por esta gran banda del rock local.


Feliz  Año para todos! Hay muchas fantasías para descubrir en el 2013. Queridos amigos, Felicidad y Rock!

jueves, 27 de diciembre de 2012

Anuario 2012 Fantasías del rock

En este caso repasaremos los relatos de los genios musicales que fuimos desarrollando en todo este tiempo acompañados de su música para escuchar en este fin de año y culminación de la era maya a puro rock.


La primera de las bandas que seleccionamos para abrir el blog tuvo un año particular ya que llegaron al medio siglo de rock satánico. Los Rolling Stones junto al blusero Muddy Waters tocando en 1981 juntos en un pub de Chicago y así comenzaba la fantasía.


El segundo relato incluía a The Police tocando en plena dictadura en el año 1980. Los británicos que eran el grupo del momento vinieron a presentarse en Obras cuando ninguna banda internacional  se animaba a pasar por estos lares. Ni hablar de la anécdota del guitarrista Andy Summers propinando una patada a un policía que reprimía a un público sediento de libertad, inolvidable historia en el Templo del Rock.


Llegaba el primer post nacional y con una banda que hace culto del rock argento. Precisamente en ello nos enfocamos, Divididos y su relación con el folklore siempre presente en sus discos. Muestra testigo es el tema “La Flor Azul” del último material Amapola del 66. La aplanadora del rock y un homenaje al padre de Arnedo…


Empezamos agosto con el más grande del rock nacional, hace falta nombrarlo siquiera? Charly García y un recital emblemático, no sólo para el músico también para los argentinos. Su presentación en el estadio de Ferro en 1982 ante una multitud y luego de la Guerra de Malvinas tal vez representó fielmente ese: Nunca Más!


Regresamos a la cuna del rock. En este caso con una banda que ya no tiene a su líder pero que dejó un legado eterno. El gran Freddie Mercury compuso en 1975 el tema más exitoso e inclasificable de la trayectoria de Queen. “Rapsodia Bohemia” y su manto misterioso que logró que hasta académicos de la Universidad de Oxford quisieran descifrar su significado. Pero Freddie se encargó de desestimar cualquier interpretación errónea: “Pienso que la gente debería sólo escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice...”


Nos quedamos en los 70, década de oro del rock británico con agrupaciones que marcaron un punto de inflexión. Pink Floyd venía desarrollando discos con la psicodelia como artista principal pero sin dudas la ideología de la banda se pudo vislumbrar en su trabajo más aclamado, la historia de la creación de The Dark Side of the Moon en 1973.


El séptimo relato trata sobre otro de los padres del rock nacional: Luis Alberto Spinetta. Lamentablemente este año nos quedamos sin el flaco pero su legado y las bandas eternas estarán presentes como ícono del rock argento. Nuestro humilde homenaje representado en el disco Artaud que figura como material de Pescado Rabioso cuando ya Luis Alberto no formaba parte de la banda. Su grandeza inigualable reflejada en ese gesto y en un disco que incluye todo el talento de Spinetta, gracias genio!


Otro de los discos nacionales que desmenuzamos fue Canción Animal de Soda Stereo. Entre los temas más importantes estaba “De Música Ligera” y explotaba por primera vez en vivo en un recital masivo en la avenida 9 de julio. El quinto material de estudio del trío era publicado en 1990 y todos los títulos fueron futuros hits del grupo.


El siguiente post que desarrollamos refería a un concierto brindado en el Monumental durante 1988. Formaba parte de un tour alrededor del globo con motivo del 40° aniversario  de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. La ONG Amnistía Internacional realizaba charlas en cada país visitado y luego juntaba a distintos referentes musicales para que la repercusión del mensaje tuviera un mayor impacto. El cierre de la gira se produjo en Argentina en el estadio de River con artistas como: Charly GarcíaLeón Gieco, Bruce Springsteen, Sting, Peter Gabriel y Tracy Chapman.


Bueno, llegábamos a un relato que tenía un condimento emocional para nosotros. El hecho de escribir sobre la banda de nuestra adolescencia y de la cual somos fanáticos irracionales siempre estará enmarcado por la subjetividad como aliada esencial. Los Piojos y su etapa barrial, sus comienzos en el Palomar, la sorpresiva amistad con Manu Chao y sus primeros discos, Chac Tu Chac y Ay Ay Ay.


En los 90 hubo un grupo que tenía un líder que detestaba la fama. Ese grupo era Nirvana y su vocalista Kurt Cobain representó un movimiento juvenil en EE.UU por aquellos años con los orígenes de la música grunge. Desarrollamos el comienzo del fin de Cobain, con la producción de Nevermind lograba destronar a Michael Jackson y Guns and Roses de la cima, el rock alternativo rompía todos los moldes con fórmulas no establecidas hasta el momento.


Cerramos septiembre con lo que nos encargamos de titular como la Dinamita del rock. La particular anécdota de un grupo consolidado que debía recomponerse de la muerte de su vocalista Bon Scott, sin perder la mística. AC/DC estuvo a punto de desintegrarse sin embargo decidieron continuar y con su nuevo cantante Brian Johnson lograron su obra cumbre: Back in Black. Superación ante la adversidad.


Hasta aquí las 12 primeras historias de este año, restan 12 fantasías más, mañana continuamos con el repaso…au revoir!

jueves, 20 de diciembre de 2012

Los fulanos de Morón

Siempre tratamos de relatar sobre bandas que dejaron su huella firme y significativa en el rock ya sea nacional o internacional. Consideramos que en el caso de este grupo no se tuvo real dimensión del legado musical brindado en comparación con otros representantes del rock nacional que fueron más aclamados. Los Caballeros de la Quema se formaron en Morón a mediados de 1990 como una banda de rock barrial, por aquel entonces sus integrantes eran Iván Noble en voz, Pablo Guerra y Martín Mendez en guitarras, Alejandro Sorraires y Martín Staffolari en saxos, Martín Carro en bajo y Javier Cavo como baterista. Pasaron casi diez años como para que pudieran tener el reconocimiento del público en general con su disco La Paciencia de la Araña. Con la llegada del nuevo milenio y el éxito del anterior material deciden grabar su quinto álbum denominado Fulanos de Nadie. Los temas que formaron parte de la mejor producción de Los Caballeros fueron: “Qué Mirás”, “Rómulo y Remo”, “Fulanos de Nadie”, “Basta Para Mí”, “Bye, Bye, Rubia”, “Cero Mensaje en el Contestador”, “Sapo de Otro Pozo”, “Macho Chaparrón”, “Sacá los Garfios de Ahí”, “Ni a la Esquina”, “No me Despaches Así”, “Otro Jueves Cobarde” y “Todo Tan Raro”.


Para la producción de Fulanos de Nadie contaron con la colaboración de Pedro Aznar para los arreglos corales. La agrupación mantenía a Iván Noble, Pablo Guerra, Martín Mendez y Javier Cavo como sobrevivientes de la primera conformación y se sumaron Patricio Castillo como bajista, Carlos Arín en saxo y Ariel Garfield Caldara en teclados.  El primer corte de difusión fue “Rómulo y Remo” que contó con su respectivo video con las presencias estelares de Cacho Castaña y León Gieco. La presentación oficial del disco  fue en el Estadio Obras en octubre de 2000 con un Templo del Rock colmado. En ese show el grupo estaba vestido de traje, igual que en la portada del álbum y durante el tema “Fulanos de Nadie” una pareja bailando tango sorprendió a los presentes aquella noche.


Mientras planeaban la gira alrededor del país formaron parte del recital por el Día Mundial de la Lucha contra el Sida realizado en la avenida 9 de julio. Junto al legendario grupo Virus congregaron a 10 mil personas. Antes de fin de año grabaron el segundo video de Fulanos de Nadie, el título seleccionado fue “Sapo de Otro Pozo” transformado en breve en uno de los hits inmortales de la banda. El clip fue rodado en Ciudad Jardín y en el bar Graf Zeppelin donde Los Caballeros de la Quema solían juntarse en sus comienzos para tocar algunos covers con sus amigos.


La gira se inicia bien al sur, tocando en Río Grande y Ushuahia junto a Los Ratones Paranoicos y Kapanga en dos conciertos multitudinarios. Luego en el verano de 2001 viajan hasta Mar del Plata y brindan otro show masivo en el parador de Rock and Pop beach. Además en febrero vuelven a desplegar su magia tocando ante 4 mil espectadores en la explanada del Casino marplatense. Fulanos de Nadie se muda a Corrientes para formar parte del ciclo Argentina Vivo 2 cerrando un verano exitoso junto a 6 mil concurrentes.


La composición del tema "Otro Jueves Cobarde" fue realizada entre Iván Noble y Joaquín Sabina. Debido a que el español no llegó a grabar en Fulanos de Nadie hubo una segunda edición con el dúo vocal interpretando la canción. A su vez el sexto material de estudio de Los Caballeros incluía un popurrí con varios demos que corresponden a temas del disco. En agosto de 2001 el tecladista Ariel Garfield Caldara falleció por muerte súbita. Unos meses después del trágico suceso el grupo decide separarse por motivos personales. Luego vendría la etapa como solista de Iván Noble pero el legado del rock barrial de Los Caballeros de la Quema sigue intacto y esperando una reunión a futuro, porqué no?

jueves, 13 de diciembre de 2012

Un disco sin nombre para la escalera al cielo

Con sólo mencionar a Robert Plant y a Jimmy Page sabemos a qué banda británica estamos referenciando. El vocalista y guitarrista respectivamente,  junto a John Paul Jones en bajo y teclado y John Bonham en batería formaron unas de las bandas que marcaron el pulso en la década del 70, la era dorada del rock. Por aquellos años ya tenían tres discos en su haber y un reconocimiento del público inglés. Sin embargo su tercer material Led Zeppelin III recibió fuertes críticas en el ámbito periodístico definiéndolo como muy comercial y también sus seguidores se sintieron decepcionados por el sonido acústico que tenía aquel álbum. Sin brindarle importancia a todas las reacciones negativas Led Zeppelin puso todas las energías en elaborar su próximo material. Así fue que Robert Plant y compañía grabaron lo que muchos definen como el mejor disco de su trayectoria.   Motivados por todas las críticas inferidas al grupo decidieron que el cuarto material no llevaría título ni nada que permitiera identificar a Led Zeppellin como autores, sólo contenía cuatro símbolos extraños o runas que representaban a cada miembro.


El disco es conocido mundialmente como Led Zeppelin IV por decantación para mantener la numeración de sus predecesores aunque por un largo tiempo tuvo otras denominaciones como Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks y Unnamed. En relación a su cuarta maravilla el genial Jimmy Page declaraba: "Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: ¡Saquemos un álbum sin título! De ese modo, a la gente le gustaría o nada". El álbum se publicó en 1971 y contiene este selecto grupo de canciones, "Black Dog", "Rock and Roll", "The Battle of Evermore", "Stairway to Heaven", "Misty Mountain Hop", "Four Sticks", "Going to California" y "When the Levee Breaks". Las ventas fueron un éxito y sólo fue superado en los 70 por The Wall de Pink Floyd. A la fecha llevan más de 40 millones de copias vendidas siendo el cuarto disco más exitoso de la historia.


En la funda del vinilo original aparecían unos símbolos únicos que configuraban la firma de cada integrante de la banda. El símbolo de Jimmy Page es un misterio porque el guitarrista se negó a revelarlo. Ha sido relacionado con el ocultismo y a la conciencia creativa que existe en cada individuo, representa el deseo de vivir y la energía vital de cada persona. El grafico de John Paul Jones simboliza el cuerpo, la mente y el alma. En el caso del baterista John Bonham es un símbolo temprano de la Trinidad. Cada círculo tiene su propio centro, por lo cual están completos en sí mismos; al mismo tiempo cada uno tiene una gran porción en común con los demás círculos, aunque solo la parte central esta cubierta por los tres círculos. Por último el símbolo de Robert Plant representado por la pluma la cuál define al dios Egipcio Ma'at, dios de la justicia. También es el símbolo de un escritor; símbolo en el que se han basado todo tipo de filosofías. Con el tiempo se transformaron en un estandarte de la banda y de sus seguidores .


Para finalizar una de las obras maestras de la historia del rock. "Stairway to Heaven" fue escrita por Robert Plant inspirándose en el libro de Lewis Spence “Magic Arts in Celtic Britain”. El cantante afirmó que se encontraba con Page que había compuesto algunas notas, al escucharlas por primera vez se puso a escribir la letra para el tema de manera inmediata. La canción fue acusada de contener mensajes satánicos si se pasaba hacia atrás, el mismo Robert Plant declaró entonces: "En primer lugar, ¿A quién se le hubiese ocurrido eso? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con Stairway to Heaven, estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy estadounidense, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían: compra este álbum escondido". Sin comentarios! escuchemos la fantasía del rock de Led Zeppelin


Escalera al cielo

Hay una dama quien asegura que todo lo que brilla es oro
Y está comprando una escalera al cielo
Y cuando ella llega allí sabe si las tiendas están cerradas
Con una palabra ella puede obtener lo que vino a buscar

Y está comprando una escalera al cielo

Hay una señal en la pared pero ella quiere estar segura
Y sabes que a veces las palabras tienen dos significados
En el árbol por el riachuelo hay un pájaro que canta y dice
Que a veces todos nuestros pensamientos son un presentimiento

Y está comprando una escalera al cielo

Hay un sentimiento que tengo cuando miro hacia el oeste
Y mi espíritu clama por salir
En mis pensamientos he visto anillos de humo a través de los árboles
Y las voces de aquellos que están parados mirando

Y está comprando una escalera al cielo

Y se susurra que pronto, si nosotros llamamos la melodía
Entonces el flautista nos llevará a razonar
Y un nuevo día amanecerá para aquellos que están de pie
Y el bosque hará eco de risas

Y me hace preguntarme
Si hay bullicio en tu vallado
No te alarmes ahora
Es solo limpieza de primavera para la Reina de Mayo

Si hay dos caminos por donde puedes ir
Pero en la larga carrera
Aún hay tiempo para cambiar tu ruta

Tu cabeza está zumbando y no se irá porque no sabes
Que el flautista te está llamando a que te unas a él
Querida dama, no puedes oír el viento soplar y tu sabías
Tu escalera está en el viento susurrante

Y mientras nosotros seguimos bajo el camino
Nuestras sombras mas grandes que nuestras almas
Allí camina una dama que todos conocemos
Quien resplandece luz blanca y quiere mostrar
Como todo aún se convierte en oro
Y si tu escuchas muy atento
La melodía vendrá a ti al fin
Cuando todo es uno y uno es todo
Ser una piedra y no para rodar

Y está comprando una escalera al cielo

Hay una dama quien asegura que todo lo que brilla es oro
Y está comprando una escalera al cielo
Y cuando ella llega allí sabe si las tiendas están cerradas
Con una palabra ella puede obtener lo que vino a buscar

Y está comprando una escalera al cielo…

jueves, 6 de diciembre de 2012

Patricio Rey (3era Parte) : El Rock del país

La etapa final de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota los encuentra meditativos en relación a la violencia desatada en sus presentaciones en Capital. Luego de los masivos shows realizados en 1994 en el estadio de Huracán se registraron varios incidentes que desencadenaron en un fenómeno único del rock nacional: las misas ricoteras en el interior del país. La primera demostración de Las Bandas copando los escenarios del interior se produjo el 8 y 9 de diciembre de 1995 en Concordia en la discoteca Costa Chaval. Luego de este evento en Entre Ríos se dedicaron a elaborar su nuevo material: Luzbelito.


Además de Indio Solari, Skay Beilison, Semilla Bucciarelli, Walter Sidotti y Sergio Dawi, se sumó nuevamente para la grabación del disco Lito Vitale en teclados. Luzbelito presentado como el hijo del Demonio desarrolló un sonido único entre penumbras y con la dupla Indio-Skay funcionando a la perfección, entre la voz satánica (acorde a la temática del álbum) y la guitarra que escupía fuego del infierno con riff inmortales. Así completaron sus creaciones: "Luzbelito y las sirenas", "Cruz Diablo!", "Ella baila con todos", "Fanfarria del cabrío", "Nuotatori professionisti", "Blues de la libertad", "La dicha no es una cosa alegre", "Me matan Limón!", "Rock Yugular", “Mariposa Pontiac - rock del país" "Juguetes perdidos". Los títulos "Blues de la libertad" y “Mariposa Pontiac - rock del país" venían sonando como excentricidades desde antes del primer disco Gulp! pero fueron incluidos dentro del mundo Luzbelito. La presentación del séptimo disco de estudio se realizó en Mar del Plata en el estadio Polideportivo los días 26 y 27 de octubre con algunos incidentes en los alrededores. Para fines de 1996 trasladan la mística al estadio de Unión de Santa Fe, multitudes de distintos rincones del país hacen del rock redondo un fenómeno nacional sin precedentes y “Juguetes Perdidos” se transforma en un símbolo de los conciertos en vivo. Seguían con presentaciones fuera de Capital, en esta ocasión el rock de Patricio Rey junto a sus seguidores incondicionales se dirige al corazón de Buenos Aires, Olavarría. Son recibidos con una noticia no muy grata, por decreto del intendente se prohibían los shows que habían sido confirmados para el 16 y 17 de agosto de 1997 en dicha localidad. Con todas Las Bandas presentes en el lugar, el Indio (reticente a los medios) realizó una histórica conferencia de prensa explicando lo ocurrido y pidiendo disculpas a su público. La reprogramación del show recaló en Tandil donde 21 mil almas sitiaron la ciudad. Durante ese mismo año siguen rodando por el país para difundir Luzbelito, realizan un recital en Villa María, Córdoba, y se producen hechos de violencia en el ingreso. El Indio preocupado por los conflictos constantes declaraba ante sus seguidores: "Estos quilombos no hacen otra cosa que acelerar el fin de la banda". En diciembre llegaban al estadio de Colón de Santa Fe y nuevamente el éxito de la convocatoria se hacía presente, 20 mil personas deliran con el rock del país.


Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota configuraba una banda de culto, muchos otros grupos nacionales los emulaban en su estilo tan particular, entonces una vez más los platenses sorprenderían con un nuevo material totalmente fuera del sonido que venían implementando. Era 1998 cuando publican Último bondi a Finisterre, el cual el Indio define así: "En este trabajo, el sonido, que parece una novedad, en nuestros demos está desde hace mucho. Yo ya componía a partir de la computadora y el sampler y después reemplazaba la programación por la banda, pero quedaban muchas texturas por el camino. Ahora decidimos dejar las cosas sin que el pulso rockero de Los Redondos se apoderara tanto del asunto. Nos dimos el gusto de hacer un producto no estándar". Para presentar el disco aparecen dos nuevos integrantes, el Conejo Jovilet, que regresa al conjunto con su viola y Hernán Aramberri, clave en la etapa final de Los Redondos, ya que su función en el manejo de la batería electrónica, samples y pads era fundamental para la nueva filosofía musical que estaban desplegando. En diciembre vuelven a presentarse luego de muchos años cerca de Capital, fue el Estadio de Racing el escenario y sonaron los nuevos títulos: "Las increíbles andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia", "Estás frito angelito", "El árbol del Gran Bonete", "Gualicho", "Pogo", "Alien Duce", "La pequeña novia del carioca", "Drogocop", "Scaramanzia" y "Esto es to-to-todo amigos!". Luego de pasar con su furia habitual por Mar del Plata (con percances nuevamente) confirmaron un destino deseado por cualquier banda nacional, la llegada a la cima plasmada en tocar en River. Así fue que todo el monstruo redondo hacía pie en el Monumental con dos conciertos el 15 y 16 de abril de 2000. El fenómeno de masas llegó a su máxima expresión, 140 mil ricoteros fueron testigos de los recitales. Lamentablemente la violencia empañó el momento cúspide de la banda. Un desequilibrado lástimó con un arma blanca a varias personas que disfrutaban de un recital de rock, luego la multitud al identificar al agresor haría justicia por mano propia y producto de la golpiza recibida fallecía en un hospital horas más tarde. En el mismo suceso la presentación se suspendió, la banda decidió seguir tocando pero con las luces encendidas del estadio, antes de continuar el Indio declaraba ante los presentes: "Escuchenmé carajo! Acá ha pasado algo muy grave. Entraron un par de hijos de puta, no sé si mandados por alguien o qué, que se cagan en el esfuerzo de esta banda y de los 80.000 pibes que vinieron hoy a vernos. Hay varios lastimados... Así que consideren ésta como una de las últimas de las noches que tocamos. No estamos de ánimo y sólo vamos a concluir este show por respeto. Parece que todo el esfuerzo de la prensa que quiso ubicarnos en un ghetto dio resultado".


Como en cada momento crítico en la trayectoria de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota el hermetismo de sus integrantes era la constante y la catarsis simbolizada en la construcción de una nueva idea. De esta manera publicaron en el año 2000 Momo Sampler, el noveno y último material de estudio del grupo. Siguiendo la postura musical de su antecesor disco, la tecnología digital era la protagonista. El álbum fue grabado casi en su totalidad por el Indio y Skay, el resto de la agrupación apenas concurrió al estudio para darle forma al nuevo material. Las canciones que incluía eran:  "Templo de Momo", "Morta.com", "La murga de los renegados", "Dr. Saturno", "Murga de la virgencita", "Pool, Averna y Papusa", "Murga Purga", "Sheriff", "Pensando como una acelga", "Una piba con la remera de Greenpeace" y "Rato Molhado". Tomaron la decisión de presentar Momo Sampler en Montevideo teniendo en cuenta la gravedad de los hechos infames ocurridos en el Monumental. El estadio Centenario de Uruguay congregó a 25 mil ricoteros por noche en las dos presentaciones brindadas en abril de 2001. La última misa de Los Redondos se produjo  el 4 de agosto de ese mismo año. Sin saberlo todo el estadio Chateau Carreras de la ciudad de Córdoba representaría al último público que presenció a Patricio Rey en vivo. Aquella noche cordobesa veía como 50 mil concurrentes concebían el pogo más grande del mundo con Los Redondos en el escenario. Los motivos de la separación quedarán para otro capitulo ricotero, presentamos la trayectoria de Los Redondos con un contexto histórico que acompañó cada momento el movimiento de masas generado. Una banda que nace en plena dictadura militar, llega a la cima del rock en los comienzos de la democracia y se transforma en mito en la década nefasta de los 90. Su ideología como sello independiente y difundirse sin la complicidad de los medios se mantuvo a lo largo de los años. Como final las palabras del Indio definiendo la influencia de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota dentro del rock argento: “No tuvimos el plan de generar todo este quilombo que se armó, pero bienvenido sea el hecho de conmover, de detonar el meloneo”.


“Las despedidas son esos dolores dulces” . La Leyenda Continua?

viernes, 30 de noviembre de 2012

Patricio Rey (2da Parte) : La masividad llegó hace rato. Todo un palo, ya lo ves!

Por estos años Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota estuvieron abocados en sustituir a los integrantes que habían abandonado la banda. Finalmente llegaron Sergio Dawi en saxofón reemplazando a Willy Crook y Walter Sidotti en batería en lugar del Piojo Ábalos. Con la nueva agrupación graban su tercer material que incluía canciones con un rock clásico y potente, como volviendo a los orígenes de Gulp! En 1988, entonces, salió a luz Un Baión Para el Ojo Idiota con esta verdadera selección ricotera: “Masacre en el puticlub", "Noticias de ayer", "Aquella solitaria vaca cubana", "Todo preso es político", "Vencedores vencidos", "Vamos las bandas", "Ella debe estar tan linda" y "Todo un palo". El disco fue presentado en el Teatro Bambalinas a lleno total, el mito crecía y los lugares del under quedaban cada vez más chicos, para éste nuevo material llegaron a tocar en el  Radio City de Mar del Plata. En relación a esta etapa de los Redondos, el gran Rocambole afirmaba: “El grupo se hizo más popular y mis obras empezaron a reproducirse, prefiero que estén en la calle que en un museo. A mí siempre me interesó más el arte de las historietas que el de las muestras a las que va un montón de gente a tomar vino y charlar”.


La pasión por esta banda seguía en incremento, luego de Un Baión Para el Ojo Idiota, las discográficas más importantes fueron a la caza del fenómeno Redondo, pero ellos seguían en su postura indeclinable de la cultura independiente, es por eso que su siguiente álbum fue grabado con sello propio. A tan sólo un año de estrenar su último material, graban otro discazo (para mi humilde opinión, el mejor de todos), ¡Bang! ¡Bang! Estás Liquidado fue presentado en 1989 con estas nueve fantásticas canciones: "Héroe del Whisky", "Rock Para los Dientes", "La Parabellum del Buen Psicópata", "Un Pacman en el Savoy", "Nadie es Perfecto", "Esa Estrella Era mi Lujo", "Maldición, Va a Ser Un Día Hermoso", "Ropa Sucia" y "Nuestro Amo Juega al Esclavo". El álbum es un fiel reflejo del potencial musical que tenían Los Redondos, si hiciéramos el ejercicio de escuchar los temas de manera instrumental, nos daríamos cuenta que están a la altura de cualquier banda de rock internacional, pero por suerte son argentinos y la voz del Indio no se suprime, sino que le agrega mística. Con ¡Bang! ¡Bang! Estás Liquidado lograron presentarse por primera vez en el Estadio Obras, la masividad estaba consumada.


Mientras los ricoteros crecían en número, también la custodia policial era testigo notorio de sus shows. A principios de 1991 ocurre  el fallecimiento de Walter Bulacio, el joven (futuro ícono trágico de las multitudes del rock) fue detenido en las afueras del Estadio Obras donde Los Redondos habían brindado un show el 19 de abril. El caso nunca fue esclarecido y la banda se mantuvo silenciada por el hecho, como fue una constante a lo largo de su trayectoria, no estaban de acuerdo con alimentar el sistema de los medios de comunicación y menos en esta ocasión con la tragedia que los había golpeado como nunca. Debido a dicha postura recibieron fuertes críticas a las que tenemos como respuesta clara y precisa las palabras de la Negra Poli, “se quiere politizar el hecho y explotar a la banda en ese contexto. Nosotros no tenemos ni queremos tener nada que ver con la política, que es siempre el mismo juego sucio y en el que, lamentablemente, entran muchos músicos sin darse cuenta de que están siendo manoseados y usados. Somos músicos y no predicadores o políticos y nuestra profesión es hacer música, arte, y no andar catequizando o dando discursos o servirle de escalera a alguien o usar de escalera a otro". Luego de este episodio irremediable y en sintonía con las declaraciones de la Negra Poli se internaron para grabar su quinto material de estudio. La Mosca y la Sopa fue publicado en 1991 con la vigencia ricotera más que nunca, así nacieron canciones  tales como: "Toxi-Taxi", “Fusilados por la cruz roja", "Un poco de amor francés""Mi perro dinamita", "Blues de la artillería", "Tarea fina", "El pibe de los astilleros", "Nueva Roma", "Salando las heridas" y "Queso ruso". El público marplatense fue el primero que pudo escuchar los nuevos títulos ya que Los Redondos se presentaron el 10 de agosto en  el Teatro San Martín (mucho antes que se transformara en el CRU, sólo para entendidos de la noche universitaria). Un disco sumergido en los comienzos de la década menemista, con temas transformados en hits del rock nacional como “Un poco de amor francés” y “Mi perro dinamita”, cuyo sorpresivo compositor fue Semilla Bucciarelli. El título con mayor contenido político en la figura de “Queso ruso” en el marco de la Guerra del Golfo y el tratamiento mediático al conflicto, como para recalcar su compromiso ideológico siempre presente en la discografía de Patricio Rey. El mito era realidad y los fanáticos seguían multiplicándose. En 1992 editan su álbum en vivo En Directo, con recopilación de temas de los shows realizados en 1989 en el Teatro de Verano de Uruguay y en el Templo del Rock en 1991.


El auge creativo en esta etapa parecía no tener fin, en 1993 publican su único álbum doble  Lobo Suelto, Cordero Atado. Entre los temas más destacados se encuentran "Rock para el negro Atila", "Un ángel para tu soledad""Susanita",  "Gran lady", "La hija del fletero", "Yo caníbal", "Ladrón de mi cerebro", "Caña seca y un membrillo""Etiqueta negra".  Como definir el momento de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, pues bien, el estadio de Huracán fue testigo de dos fechas consagratorias. El 19 de noviembre de 1993 presentaron en el Tomás Ducó Lobo Suelto y al día siguiente Cordero Atado con el mismo delirio ricotero. Participaron de la fiesta multitudinaria el coro femenino de Las Blacanblus y un antiguo integrante del grupo, el Conejo Jovilet con su guitarra. Luego realizarían recitales en Santa Fe y Mar del Plata en la disco Go! en donde varios micros provenientes de Buenos Aires principalmente, concurrían a los escenarios. El fenómeno del rock se hacía visible con las bandas y las presentaciones en el interior del país comenzaban a ser un clásico de Los Redondos.


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jueves, 22 de noviembre de 2012

Patricio Rey (1era Parte) : La era subterránea ricotera

Como banda que marcó una época en nuestro querido rock nacional y generó un movimiento inigualable a lo largo y ancho de nuestro país abarcaremos su historia en tres entregas. Los comienzos de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota remontan a los años 70, influenciados por el hippismo que florecía mundialmente, un grupo de jóvenes se reunía a tocar en algún rincón de la ciudad de La Plata. Por aquellos momentos la situación en Argentina era muy convulsionada y principalmente en dicha ciudad con la movida universitaria existente, los sitios con actividades artísticas y culturales eran espacios de libertad plena ante la situación de persecución que se vivía y que desembocaría en la dictadura más macabra de Latinoamérica. Es de esta manera que principalmente en las figuras del Indio Solari, Skay Beilinson y la Negra Poli realizaban presentaciones con características particulares. Si bien el rock ricotero ya se hacía sentir, existían otros movimientos artísticos que los acompañaban en algunos teatros platenses como el ballet, los monólogos de Enrique Symns, actores, músicos independientes que tenían su lugar en el escenario. Los primeros shows de los Redondos como banda de rock, junto a toda esa mística de arte-locura, se dieron en 1977 en el Teatro Lozano de La Plata, muchas veces la cosa se iba de cauce y había disturbios, por lo tanto la policía empezaba a ser testigo infaltable de sus presentaciones y a medida que convocaban más gente se cerraban las puertas para futuras excentricidades. Entonces decidieron llevar todo hacia Capital Federal, el gran Rocambole que estuvo desde el comienzo se encargaba de las escenografías de los recitales (más tarde desplegaría su talento en el arte de tapa), empezaban a sonar en algunos pubs porteños y siempre ajenos a la difusión periodística, el conocimiento de la banda venía de la mano del boca en boca y las pintadas callejeras.


A principios de los 80 decidieron enfocarse en su rock creativo únicamente, es decir, los shows dejaron de contar con la presencia de los artistas que formaban parte de la cultura que acompañaba a Patricio Rey.  En 1982 graban su primer demo y sus melodías con un rock contundente aparecen en las FM porteñas con gran difusión, muchos periodistas asistían a los recitales en pequeños teatros de Capital y hablaban del fenómeno ricotero que crecía constantemente. Los conciertos de Los Redonditos de Ricota ostentaba con los coros de las Bay Biscuits, las cuales contaban con la presencia de una tal Fabiana Cantilo entre sus integrantes  y otro detalle importante era la vigencia de los monólogos de Enrique Symns fundamental en cada presentación. Después de muchos años de pelearla en el under, deciden grabar su primer material de forma independiente, marcando su coherencia ideológica que los alejaba del sistema arquetipo de las grandes discográficas.  Así nacía Gulp! el cual el mismo grupo se encargaba de vender, para luego debido a la alta demanda, elegir a qué disquerías ofrecían el material producido. En relación a la salida del disco Los Redondos afirmaban: "Para la modalidad que encaramos, fue la primera oportunidad que se nos presentó para hacerlo. Pero no lo queríamos hacer de otra manera; no como una producción dependiente, con sus hábitos, reglas, sus armas y todo aquello que para nosotros es difícil tolerar. Sobre todo porque siempre tuvimos la secreta esperanza de poder llegar a lograr los objetivos de otra manera. La prueba es mucho más exigente si no querés integrar el circuito pero igual competir con producciones más fuertes".


Gulp! sirvió además para conformar la banda de forma definitiva con Tito Fargo en guitarra, Semilla Bucciareli en bajo, el baterista Piojo Ábalos, en saxo Willy Croock, como tecladista Lito Vitale (participó en el disco), la ingeniería artística de la Negra Poli , la voz de Carlos Indio Solari y la guitarra ecléctica de Skay Beilinson. El álbum fue presentado en Cemento en 1985 y sus temas (futuros clásicos ricoteros) eran: "Barbazul Versus el Amor Letal", "La Bestia Pop", "Roto y Mal Parado", "Pierre, el Vitricida", "Unos Pocos Peligros Sensatos", "Yo No Me Caí del Cielo", "Te Voy a Atornillar", "Superlógico", "Ñam Fri Fruli Fali Fru","El Infierno Está Encantador Esta Noche" y "Criminal Mambo". Según cuenta el propio Rocambole con su grupo de trabajo realizaron artesanalmente las tapas de los discos, realizando 7000 ejemplares de esa manera, además de la producción de remeras para los shows. Otra anécdota particular es que los discos incluían en el interior una nota del COMFER destinada a los directores de las radios que informaba "la prohibición para los medios de radiodifusión del cantable titulado Criminal Mambo", y explicaban que, "la letra de dicha pieza musical es de contenido grosero y burdo, además de su carencia de creatividad y sentido artístico, utilizando la obscenidad y el mal gusto como medio de entretener al público".


Ente agosto y septiembre de 1986 Los Redonditos de Ricota grabaron su segundo material. Oktubre los consolida como banda de culto, en primer lugar las letras con un contenido más oscuro, profundo, con fuerte argumentación ideológica y críticas al sistema, resaltan el trabajo como compositor del Indio. El sonido también acompaña este cambio con respecto a Gulp!, las guitarras con acordes atípicos y los riff de Skay en el escenario que lo inmortalizan como estandarte de nuestro rock nacional. El segundo álbum del grupo fue cautivante, la clara referencia a la Revolución rusa de 1917, la catedral de La Plata incendiada, el título “Jijiji” como futuro ícono ricotero, la figura del Che y las presentaciones que todavía tenían la intimidad del circuito under. El material fue presentado en Paladium ante 1200 personas. Los temas del disco símbolo del rock argento fueron: "Fuegos de Octubre", "Preso en mi Ciudad", "Música Para Pastillas", "Semen-Up", "Divina Tv Führer", "Motor Psico", "Jijiji", "Canción Para Naufragios", "Ya Nadie Va a Escuchar tu Remera". Luego de las presentaciones de Oktubre dejarían la banda Tito Fargo y el Piojo Ábalos.


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jueves, 15 de noviembre de 2012

Con Luca llegaron los monos a Hurlingham

Sumo representa hasta hoy en día una de las mejores bandas que tuvo nuestro rock nacional. La presencia de Luca Prodan como líder junto a un grupo que reunía un talento amateur inédito, lograron una revolución musical y se anticiparon a una época. En los principios de los 80 tocaban como representantes del underground con temas de Luca y muchos interpretados en inglés, algo inentendible en la Argentina de la dictadura y la Guerra de Malvinas. Luego tomaron un rumbo más reggae donde los integrantes del grupo se dividían en la Hurlingham Reggae Band (la primer banda reggae de Argentina) donde tocaba el guitarrista Tito Fargo y Sumo con un estilo de rock pesado. En un momento Luca se fue a Europa, cuando vuelve Fargo migró para unirse a Patricio Rey y Sumo adopta un estilo entre reggae y punk al mismo tiempo, dicho por su líder: “Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin, medio raro”.


Para mediados de los 80 Sumo tenía dos discos en su haber. El baterista Alejandro Sokol abandona la agrupación por motivos personales. Para suplir la ausencia llega Alberto Supermán Troglio a la batería para unirse a Luca Prodan en voz y carisma, Ricardo Mollo en guitarra, Diego Arnedo en bajo, Germán Daffunchio como guitarrista y Roberto Pettinato que dejaba el periodismo para transformarse en el saxofonista del conjunto. Este despilfarro de talento se presenta en 1986 en el Festival Chateau Rock, que se realizó en la provincia de Córdoba y comparten escenario con Metrópoli, GIT y Virus. A continuación el videoclip del tema “Estallando desde el océano”.


Ese mismo año graban su tercer disco llamado Llegando los Monos que contiene los siguientes títulos: “Llegando los monos”, “El ojo blindado”, “Estallando desde el océano”, “TV Caliente”, “NextWeek”, “Cinco magníficos”, “Rollando”, “Los viejos vinagres”, “No good”, “Heroína”“Que me pisen”, “Llegando los monos (reprise). El álbum fue presentado el 9 de agosto de 1986 en Obras Sanitarias donde hicieron delirar al templo del rock con temas como “Que me pisen”


Durante fin de año y continuando con la presentación de su tercer material tocaron nuevamente en Obras con el conjunto brasileño Os Paralamas Do Sucesso que comenzaba sus primeras apariciones por Argentina. Según el líder de la banda de Hurlingham, el disco tenía un hit compuesto a propósito para que así fuera, se trataba de “Los viejos vinagres”. Tema emblema del rock nacional, con ello pasaban del under a la masividad sin escalas.


Luca Prodan llegó a la Argentina por un amigo, Timmy McKern, que vivía en La Cumbrecita en Córdoba y que lo había invitado para que se recuperara del consumo de heroína. La droga había provocado la muerte de una de sus hermanas y por los años 70 casi termina con la vida del cantante también. De dicha experiencia traumática compuso una de sus canciones más fuertes y que lograba un clima único en los shows en vivo. “Heroína” formó parte del primer disco de Sumo, Corpiños en la madrugada, se trataba de un demo de 1983. En este caso la versión de Llegando los Monos en la histórica presentación en Obras durante 1986. Luca, un romano que había estudiado en uno de los mejores colegios de Escocia (donde concurrió el Príncipe Carlos), venía a Hurlingham para entender nuestra cultura e inmortalizarse como una leyenda del rock nacional!


Heroína

Estoy enamorado de este mundo moderno
Estoy enamorado de estas chicas modernas

Yo amaba a una chica inglesa,
y ahora amo a una pequeña chica alemana
Yo amaba a una chica italiana,
y ahora amo a una chica argentina
Yo amaba a este mundo de rock 'n roll,
Ahora amo aquel  viejo mundo del suicidio

Pero hay una cosa
Una cosa que no puedo olvidar
porque está en mi cabeza
y pienso en ella cuando estoy en la cama
¿Sabes lo que es? Es ...

heroína
heroína
heroína
heroína

Soltate con Wellapon, soltate
Soltá tu pelo con Wellapon
Soltá el brillo, Soltá la belleza
de tu pelo con Wellapon

Yo amaba a una chica inglesa,
y ahora amo a una pequeña chica alemana
Yo amaba a una chica italiana,
y ahora amo a una chica argentina
Yo amaba a este mundo de rock 'n roll,
Ahora amo aquel  viejo mundo del suicidio

Porque, ya sabes, algo queda en mi cabeza
¿Sabes lo que es? Es ...

heroína
heroína
heroína

viernes, 9 de noviembre de 2012

El Oasis Beatle de los 90

Durante fines de 1995 el grupo liderado por los hermanos Gallagher editaba su segundo disco de estudio, luego de sorprender con un primer trabajo exitoso debían mantenerse en el podio de las bandas británicas con mayor proyección y no defraudaron. (What's the Story) Morning Glory? incluyó temas memorables para Oasis llegando a vender 26 millones de copias alrededor del globo. Por aquel entonces la banda estaba conformada por Liam Gallagher en voz, Paul McGuigan como bajista, Paul Arthurs en guitarra, Noel Gallagher como guitarrista principal y Tony McCarrol en batería. Cuando comenzaron a grabar su segundo álbum Tony fue despedido y la batería quedaría a cargo de Alan White. El motivo del despido fue fundamentado por el propio Noel: “incapacidad técnica para tocar temas complejos", contundente. Lo cierto es que el disco contiene los principales hits de la agrupación de Mánchester y con influencias de bandas como The Beatles, The Rolling Stones, The Stone Roses y The Who. Algunos periodistas británicos afirmaron que la tapa de este álbum estaba basada en The Beatles por el disco Abbey Road.



En (What's the Story) Morning Glory? compusieron estas brillantes canciones: “Hello”, “Roll With It”“Wonderwall”“Don't Look Back in Anger”, “Hey Now!”, “Some Might Say”, “Cast No Shadow”, “She's Electric”“Morning Glory”, “Champagne Supernova” y dos temas instrumentales de 30 segundos de duración.


A continuación "Some Might Say", que fue el primer sencillo del disco y alcanzó el puesto número uno en los charts británicos. Recital brindado en el legendario estadio de Maine Road de Mánchester en 1996.



Tanto para Liam como Noel el tema preferido de Oasis a lo largo de toda su discografía es “Champagne Supernova”. Comienza con el romper de las olas en la costa para confundirse luego con la guitarra relajante de Noel Gallagher. En el  video del tema encontramos a un Liam Gallagher totalmente mimetizado con la figura de John Lennon con el mismo estilo de su referente musical. Psicodeliaaa!


Para finalizar los dos temas principales del disco. Cuando la banda estaba grabando el material Noel le dio a elegir a su hermano cuál de estos temas prefería interpretar. Las notas tan altas de "Don't look back in anger" hicieron que Liam optara por "Wonderwall".  En el año 2000 Oasis se presentó en el programa de la BBC del famoso conductor Jools Holland. Espléndida versión de “Wonderwall”



"Don't look back in anger" es uno de los temas más emotivos cuando brindan sus shows en vivo. En esta ocasión disfrutamos de la energía  poética desplegada en el recital de 2009 en el estadio Monumental.